Créer dans l’obscurité

Quelque chose manque

Lorsque nous sommes enfants, nous réagissons intuitivement aux situations et, au fur et à mesure que nous nous développons, on nous apprend d’autres règles et d’autres réponses, ce qui signifie que l’instinct passe de plus en plus au second plan. L’intellect prend le dessus pour adopter des mécanismes d’adaptation. Certains scientifiques affirment que notre cerveau a deux côtés distincts et des dispositions souvent opposées, chacun étant responsable de fonctions différentes et, par conséquent, d’approches différentes de notre façon de voir et de faire les choses. Il a été suggéré que si l’on est droitier, on a tendance à réagir avec le cerveau gauche ; si l’on est gaucher, on réagit avec le cerveau droit. Cette école de pensée est certainement en accord avec mes propres expériences.

L’un de mes projets d’art conceptuel portait sur l’inconscient et le conscient. Je me souviens très bien d’avoir parlé un jour à mon ami en pleurant de frustration, sentant qu’il y avait une énorme pièce du puzzle que je ne pouvais pas voir, et sans laquelle je ne pouvais pas saisir l’image. Si j’avais su à l’époque que j’étais aphantasique, cela aurait eu tellement de sens. Au cours de ma licence, mes recherches m’ont amenée à créer des œuvres d’art conceptuelles liées au cerveau, à l’inconscient et au sommeil. J’ai subi un EEG (scanner cérébral) dans le cadre de cette recherche. En y repensant, j’essayais d’entrer dans ma tête inconsciente.

Je suis gaucher (comme environ 10 % de la population) ; ma disposition naturelle est intuitive, ludique et imaginative. Je me suis forcé à être beaucoup plus à gauche dans mes réponses, en particulier en ce qui concerne le rassemblement et la rétention d’informations pour faire face à des situations, en particulier à l’école et dans les environnements de travail. Mes techniques m’ont permis de bien faire face à la situation au fil des ans, mais cela s’est fait au détriment de mon moi plus intuitif.

Je reconnais deux identités distinctes en moi et j’ai même des noms différents pour les désigner : la personne ordonnée, professionnelle et consciente d’elle-même s’appelle Louise, et la personne créative, libre d’esprit et non critique s’appelle Rachel. L’une des principales motivations qui m’ont poussé à m’éloigner de mon travail professionnel dans le domaine de la santé et à me lancer dans l’aventure inconnue de l’expression artistique était la nécessité de créer un meilleur équilibre entre les deux.

J’ai eu du mal à obtenir mon diplôme en beaux-arts parce que j’avais l’impression que le cours exigeait des concepts basés sur la visualisation. Je n’arrivais pas à visualiser ou à créer des œuvres d’art représentatives satisfaisantes, ce qui me causait un stress interne. J’ai contourné ce problème en me concentrant sur la création d’art conceptuel. Toutes ces méthodes consistaient à travailler de l’extérieur vers l’intérieur, à avoir un concept, puis à trouver des éléments pour le présenter et l’illustrer.

Je voulais désespérément créer de l’intérieur vers l’extérieur. Je me rends compte aujourd’hui que la plupart des gens “visualisent” – ils ont envie de créer, et cela commence presque toujours par une visualisation interne.

Découverte de mon Aphantasie

J’ai commencé mon master en beaux-arts l’année dernière et, dès les premières semaines, je me suis sentie encore plus frustrée et angoissée parce que le sentiment d’injustice que j’avais depuis le début était encore plus fort. Au cours de mes recherches antérieures sur le sommeil et l’inconscient, j’ai correspondu avec le professeur Adam Zeman de l’Exeter College et j’ai rencontré l’aphantasie pour la première fois. J’ai réalisé que cet état inconnu jusqu’alors reflétait exactement mes propres expériences, mais même à ce moment-là, je n’ai pas fait le lien avec les frustrations que j’éprouvais dans ma pratique artistique.

Ce lien m’a soudain frappé pendant les premières semaines turbulentes de mon master en administration des affaires. Un matin, très tôt, alors que je n’arrivais pas à dormir et que je me rendais dans mon atelier dans l’obscurité, j’ai commencé à manipuler de l’argile sans prendre la peine d’allumer une lampe – sans mes lunettes – et je ne pouvais pas voir ce que je faisais. J’étais presque submergé par le besoin désespéré de produire quelque chose de tangible, mais je ne savais pas comment le canaliser. Lorsque la lumière est apparue et que j’ai pu voir la forme sur laquelle j’avais travaillé, j’ai été stupéfaite de son aspect et de son origine. J’ai ressenti un énorme sentiment de soulagement et de libération.

C’est à ce moment-là que j’ai compris que mon aphantasie était un facteur important de ma frustration et de mon incapacité à m’exprimer. J’avais soudain trouvé une méthode d’expression instinctive, simple et sans complications. Jusqu’à récemment, on supposait que tout le monde visualisait de la même manière. Le débat a porté sur la manière dont nous interprétons ce que nous voyons. Les recherches du professeur Zeman suggèrent que notre capacité à visualiser est fondamentale pour ce que nous faisons avec certaines informations, la visualisation étant plutôt comme un monologue interne d’images au lieu de mots.

“l’absence d’imagerie consciente a de multiples implications pour la pratique artistique, mais aucune … pour la créativité ou l’imagination de l’artiste. Il semble que l’aphantasie puisse avoir un effet plus “holistique”, influençant la perception de soi autant que les décisions prises quant à la manière de travailler.. Par exemple, sans avoir de ‘plan’ en tant que tel, vous commencez simplement à faire des marques et vous voyez où elles mènent…”. Il poursuit en évoquant “la diversité des voies cachées vers la création“.

Adam Zeman

D’une manière générale, la réalisation d’une œuvre d’art se fait en trois étapes :

1. Étape A – l’intention de produire quelque chose, une émotion ou un concept
2. Étape B – Réflexion sur la manière de formuler l’idée ou le concept, soit sur papier, soit par une visualisation interne/préplanification
3. Étape C – réalisation de l’œuvre.

Un artiste atteint d’aphantasie produit des œuvres sans passer par le stade de la planification avancée ou de l’œil de l’esprit intérieur. Le processus va donc directement de A à C plutôt que de A à B à C. Il s’agit d’un parcours fondamentalement différent de celui d’un artiste qui planifie son travail à l’avance et qui, au cours du processus de création, évalue continuellement son “image mentale”.

Aller de l’avant

Il n’y a aucune raison de supposer que l’aphantasie était moins fréquente qu’elle ne semble l’être aujourd’hui, ce qui signifie qu’il est probable qu’environ 3 % de tous les artistes connus étaient aphantasiques, qu’ils le sachent ou non.

Dans mon travail, je commence à m’interroger sur la “visualité” dans les beaux-arts et à me demander si elle doit être au premier plan lorsque l’on aborde une œuvre sculpturale, que ce soit au moment de sa création ou en tant que spectateur. Si nous supprimons un élément de contrôle qui découle de notre pensée et de notre vision, cela libère-t-il une tension en nous-mêmes qui se libère également dans une œuvre ?

La découverte de mon aphantasie me permet d’accepter ma lutte interne et d’en comprendre enfin les raisons. Ce seul fait a provoqué un relâchement de la tension qui se manifeste dans ma pratique artistique, ce qui a permis à ma personnalité intuitive et expressive de se manifester.

Le fait de travailler dans l’obscurité reflète la zone d’ombre de mon esprit. La partie visualisation du processus artistique n’existe pas pour moi, donc créer dans l’obscurité est une métaphore de mes processus mentaux. L’obscurité imite l’absence de l’œil de l’esprit et me permet de passer de la pensée et de l’émotion à la manifestation d’un travail sous une forme tangible. Les artistes aphantasiques ne sont pas les seuls à utiliser ce processus dans leur travail, de nombreux autres artistes évitent de planifier. Cependant, même ces personnes ne peuvent éviter que leur imagerie mentale ne surgisse dans l’œil de l’esprit – même si elles choisissent de l’ignorer.

Mon travail est un processus instinctif qui coule directement de moi à la pièce incarnée. Je passe directement du sentiment à l’expression, puis à l’action ; par conséquent, l’œuvre incarne l’expression sans l’étape de la “visualisation”.

Si, par exemple, je regarde une plaque d’argile avant de commencer à travailler, des critères commencent à émerger et à me contraindre. Je crée des lignes directrices et des attentes dans mon esprit conscient. Cette superposition d’attentes consiste en des pensées telles que “à quel point l’œuvre devient-elle professionnelle, réaliste, fidèle à l’idée initiale ? Mon esprit se concentre sur la poursuite du processus en l’évaluant et en le réévaluant plutôt qu’en le laissant se dérouler sous une forme plus naturelle et plus pure. Si l’œuvre est réalisée sans vision, les yeux bandés, dans l’obscurité, j’élimine certaines de ces attentes préconçues.

Sans l’œil de l’esprit, je suis attiré par les premières étapes de la sculpture sans voir du tout. Cela semble atténuer mon manque de vision interne. J’ai l’impression d’être en paix pendant cet état d’élaboration – sans être harcelée, poussée ou tirée dans d’autres directions. Cette façon de travailler devient la clé de ma pratique. L’harmonie règne, les mains et le cerveau travaillent ensemble et étudient le matériel à l’unisson.

Après avoir sculpté la forme embryonnaire, je rencontre presque à nouveau la pièce, mais d’un point de vue différent lorsque je la vois pour la première fois. Je travaille ensuite sur la pièce sans en changer la forme ou l’essence.

Je me rends compte que le fait de laisser de côté mon cerveau pensant est essentiel à ma pratique artistique. Cela nécessite du temps calme et de la solitude. Il a été très important de s’éloigner des distractions. J’ai travaillé avec mon bandeau, que ce soit dans mon atelier ou à l’extérieur, dans le jardin. Je mets parfois des bouchons d’oreille – c’est comme si je voulais embrasser l’espace à l’intérieur de mon esprit conscient qui est plus facile à atteindre lorsque je ne vois pas ou n’entends pas.

Je travaille rapidement. Ce n’est pas quelque chose que je considère beaucoup sur le moment ; après avoir enlevé le bandeau, je vois généralement quelque chose de fondamental dans l’œuvre. Il m’arrive de comprendre les pièces longtemps après qu’elles sont terminées.

Le fait d’être pleinement dans son rôle est la clé du flux créatif. Si une partie de nous se retient et est anxieuse, cela engendre la peur et un manque de confiance. Tant que nous ne pouvons pas nous considérer comme un tout, nous nous limitons nous-mêmes, ce qui crée des tensions. J’explore les moyens de libérer la tension dans le matériau sculptural, tout comme j’apprends à me libérer des habitudes protectrices que je me suis imposées. Le fait d’y renoncer est à la fois libérateur et déconcertant – je commence à ressentir, à travers ma pratique artistique, que mon aphantasie n’est pas un handicap mais une bénédiction.

Le fait de connaître ma maladie m’a donné une nouvelle perspective sur mon passé et mon avenir. Parallèlement à cela, il y a le souhait d’engager et de responsabiliser les autres. Les effets de l’aphantasie sont très étendus, notamment parce qu’elle est souvent méconnue. Je veux utiliser mon art pour sensibiliser les gens à cette maladie inhabituelle.